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Il existe de nombreuses espèces de Bougainvillées (plus d’une vingtaine), certaines deviennent des arbustes, des lianes grimpantes et la  couleur de leur bractées aussi est variable, car il s’agit bien de bractées et non de pétales et d’ailleurs, seule la couleur les différencie d’une feuille, dont elles ont bien la texture, la nervation .

 Ces bractées sont disposées par trois et enserrent un groupe de quelques fleurs qui se présentent le plus fréquemment en boutons sous forme de petits bâtons rougeâtres insignifiants. La Bougainvillée, découverte par Philibert Commerson lors d’une étape de « L’Etoile » au Brésil, est baptisée en l’honneur de Louis-Antoine de Bougainville, puisqu’il l’a découverte pendant le célèbre voyage autour du monde (1766-1769), dont Bougainville fut le capitaine. Commerson est ce fameux naturaliste qui fit embarquer sa compagne Jeanne Barret sur « L’Etoile » en la déclarant comme son valet !

J’ai trouvé en jardinerie ces pots pour que nous puissions en peindre au cours ; il s’agit d’un cultivar baptisé « Alexandra »  (Bougainvillea glabra ‘Alexandra’), dont la couleur est franchement magenta. Sur ce fond, quand une fleur s’ouvre, elle présente une petite corolle circulaire blanche qui ressort bien ! Il faut impérativement posséder le Magenta quinacridone pour peindre ce cultivar et j’en profite pour ajouter qu’il y a sur ma palette trois rouges différents dont je ne pourrais me passer pour le sujet floral en général : le Magenta quinacridone ; le Rose permanent et la Laque écarlate. Ce sont des pigments de base dont on ne peut faire l’économie !

La couleur saumonée 3, lavis très dilué de base,  que j’obtiens en mélange avec le Jaune de Naples existe d’autant plus que les bractées sont jeunes, elle peut être moins rose et me permet de nuancer en glacis par la suite, aussi bien vers du vert tendre  et de poser le vert vif des nervures sans qu’il soit noirci par une sous-couche magenta.

Ce sont de toute petites études, mais mon activité illustration ne me laisse guère de temps en ce moment, aussi, vous ne me verrez pas proposer sous peu de nouvelles leçons en Pdf …

C’est pourquoi voilà une nouvelle « Petite leçon », en accès libre, qui rejoindra l’Index !

Les 2 Stages d'atelier d'aquarelle botanique, au bureau-bibliothèque de la SHS, près du Jardin des Plantes du Mans viennent de se terminer et comme d’habitude, je vous en donne un échantillon. Cette fois-ci, pour la première fois, vous verrez mieux quelques travaux de stagiaires, car consultés sur ce point, ils ont accepté qu’apparaissent quelques-unes de leurs aquarelles dans le blog.

J’avais moi-même préparé une planche sur une plante d’intérieur : le Schlumbergera, qui n’est pas terminée  et illustrera une autre fois un article de Flore. Au premier stage, les quatre participantes y ont consacré les 4 jours. Mes plantes étaient défleuries et d’autres potées fleuries de ce « Cactus de Noël » se sont avérées introuvables pour le deuxième stage, dont traite cet article ; si bien que j’ai choisi en jardinerie des godets de Narcisses "Tête-à-Tête", des Anémones blanda, une Anémone de fleuriste, un mini  Hortensia, de petits Gerberas, une Violette du Cap. Nous avons cherché ensemble des mélanges de couleurs adaptés à ces sujets divers avec pour chacun, ce que proposait sa palette.

Une autre plante d’intérieur était l’Ornithogalum dubium, qui a séduit deux stagiaires. C’est une plante que je vous conseille car elle évolue lentement comme les orchidées, du moins elle ne réagit pas brutalement aux changements d’ensoleillement et de températures comme l’Anémone, par exemple… Cette Ornithogale se vend également en bouquet chez les fleuristes et tient longtemps en vase, mais vous n’aurez pas alors de rosette de feuilles qui sont assez belles et typiques des Liliacées et compte beaucoup dans la mise en page du sujet.

Certains préfèrent consacrer deux jours à un sujet puis deux jours à un autre, je m’adapte au désir de chacun mais en général nous abordons moins souvent la grande planche sur format demi-jésus pour laquelle il faut impérativement consacrer quatre jours. A la fin du stage, il y a toujours le rituel d’exposition des œuvres avec photos à la clé devant les vitrines de la bibliothèque !

Je vous rappelle que le prochain stage d’atelier se déroulera sur un Week-end, en lisière de la Forêt de Bercé, les 9 et 10 Avril, 2011. Il y a déjà quelques candidats, donc je pense qu’il aura bien lieu ! Ce stage se déroule en liaison avec une exposition « Claire Felloni » au Musée Carnuta de Jupilles : http://www.carnuta.fr/francais/accueil/  

  Nous serons accueillis au Gîte des Tropes : http://www.gites-les-tropes.com/  

  Il n’est pas obligatoire de s’y loger pour participer au stage, qui pour moi, vous revient à 70 €. (difficile de s’y rendre sans voiture)

Voir ma rubrique « Stages » pour les autres stages.

Ayant découvert les aquarelles que fit Alexandre Brun vers 1892, représentant la collection d’orchidées d’un collectionneur parisien  passionné, Emile Libreck, j’avais voulu à l’occasion d’un cours, proposer de poser un fond sombre autour de notre sujet.

Mon cours ne fut pas une réussite, mes élèves furent moyennement emballés par le sujet et l’installation de ce fond de lavis sépia leur prit trop de temps qu’ils auraient préféré occuper à peindre les petits fleurons de Cymbidium que j’avais proposé comme sujet. Mais tout de même, l’expérience me semble enrichissante. Il est nécessaire de poser rapidement au moins un  premier lavis ( ici : Sépia + Terre de Sienne brûlée) autour du sujet en le détourant assez précisément mais tout en sachant que l’obtention d’une belle couleur sombre peut se faire en plusieurs passages et que du coup, les marques de pinceau , visibles au premier lavis finissent par disparaître si on le désire. Pour modeler les couleurs des fleurs, il est important d’avoir déjà une référence sombre autour, car la perception des couleurs et des valeurs en est très modifiée. Je vous accorde que mon petit pot a l’air de flotter dans l’air… c’était une expérience !

A l’époque, Alexandre Brun qui n’était pas au départ un peintre de fleurs mais plutôt un peintre de marine et de portraits, avait choisi une option résolument à l’opposé de tout ce qui pouvait se voir en matière d’aquarelle botanique et le résultat est surprenant et magnifique.

 Lors de la présentation de cette collection d’aquarelle, par ses héritiers, en 1981, à l’exposition annuelle d’orchidées de la Royal Horticultural Society, l’artiste a obtenu une médaille d’or à titre posthume.

Le livre qui montre cette collection d’aquarelles  « Inoubliables orchidées, Alexandre Brun », écrit par Phillip Cribb a été édité chez Solar en 1992.

Pour aller voir d’autres images de ces beautés surgies de l’ombre, une petite visite s’impose là :

http://planetecv.canalblog.com/archives/2010/07/30/18297915.html

Dés le 18^ème siècle, à Nuremberg, la famille Dietzsch avait inventé une technique particulière sur vélin, influencée par les tableaux à l’huile des écoles hollandaises et flamandes, qui toujours, présentaient des bouquets sur un fond  foncé. La plus renommée pour ces sujets est sans doute Barbara Regina Dietzsch, mais sa jeune sœur  Margareta Barbara et leur frère Johann Christoph ont choisi des sujets très semblables. Ils aimaient peindre des chardons parce que le rendu sur fond noir s’y prêtait particulièrement (les épines, les aigrettes et même voyez les fils de l'araignée!). Leur façon de traiter les insectes me semble très réaliste pour l’époque. Il ne s’agit pas d’aquarelle mais de gouache et le fond de vélin a, au préalable, été complètement noirci, je ne sais par quel moyen, car il fallait que ce fond soit parfaitement fixé, pour ne pas remonter dans les couleurs… En fait, pour qui connait la magnifique texture de surface des vélins, ce procédé paraît une hérésie ! Il faut rappeler qu’à cette époque, on ne parlait pas encore d’aquarelle; tous les peintres de fleurs utilisaient des gouaches très fines et ne se souciaient pas vraiment de transparence, peu compatible de toute façon avec un support comme le vélin qui ne boit pas ! Ajoutons que notre palette actuelle pour l’aquarelle botanique ne saurait se passer de pigments opaques comme le Jaune de Naples (bien qu'il ne s'agisse plus du vrai!) ou encore le Vert oxyde de Chrome, le Gris de Davy...qui sont bienvenus pour rendre des aspects glauques dans la verdure ou les couleurs laiteuses de certaines corolles…

J’ai travaillé cette semaine à mettre au point ces trois leçons automnales.

« Chou et Navet »

Pour cette nature-morte, nous détachons une feuille du pourtour d’un chou frisé. J’ai choisi  de disposer cette feuille à l’endroit, pour étudier la traduction du  gaufrage qu’on retrouve en plus discret dans les feuilles de Primevère. Trois pages sont vouées à la feuille de chou, deux autres pour le navet. Le navet permet de faire de cette étude une nature morte, au même titre que la 2^ème leçon que je vous présente : la « Nature morte de Pomologie ».

Pour celle-là 2 pages du pdf sont consacrées à l’étude d’ensemble d'une nature morte de Pomologie, illustrée par celle que vous avez pu voir après le stage de Toussaint, puis 3 autres pages développent les étapes pour mettre en couleur une variété de pomme, la Reine des Reinettes, avec des scans d’étape du travail ; enfin une page reparle des noisettes qui figurent au premier plan. La petite poire qui est une variété difficile à trouver n'est pas étudiée en détail.

La 3^ème leçon en Pdf  « Fittonia et Spathiphyllum » , aborde l’agencement fait avec ces deux petits godets trouvés en jardinerie, qui se gardent bien à l’intérieur. On peut donc prendre son temps pour les peindre. De ces différents sujets, il n’y a que la feuille de chou qui doit se peindre dans la journée ; les autres sujets se conservent bien et c’est l’occasion de peindre vraiment d’après nature !

Je vous rappelle que ces 5 ou 6 pages de pdf, que vous pouvez imprimer, sont illustrées des aquarelles et des palettes de couleur.  Le pdf est accompagné de scans en haute définition (3 ou 4 envois successifs sur votre courriel), sur lesquels vous pouvez zoomer pour voir de plus près comment c’est fait.  

Voyez les conditions en cliquant  là , sur ma page fixe : « Leçons en PDF »

Notre stage Pomologie de la Toussaint était placé sous le patronage d’une petite poire baptisée « Epine du mas ». J’avais pu me procurer cette variété ainsi que de la « Reine des reinettes » sur le marché de la cathédrale. Le terrain de culture de la Société d’Horticulture de la Sarthe pouvait nous fournir des Coings ainsi que de la « Reinette clochard » et une poire tardive cueillie un peu avant terme et donc encore un peu verte de couleur, « Comtesse de Paris ».

L’an dernier, nous avions composé une vraie Planche de Pomologie (Rappel: là) ; il fallait donc se tenir à une seule variété. Cette année, j’ai plutôt proposé de peindre une Nature morte ; enrichie d’autres petits sujets (noisettes, châtaignes, amandes, amour en cage, petites grenades ornementales, fruits surprenants de l'Oranger des Osages et capsules orange d’Iris fétide) pour animer la composition autour d’une ou deux variétés de pommes et de poires.

 « Epine du Mas » est représentée dans « Le Jardin fruitier du Muséum » de J. Decaisne, un ouvrage précieux de notre bibliothèque.

Je vous cite une phrase qui y est rapportée de M.H.Dumas, juge de paix à Limoges (en 1856): «  L’épine du Mas est originaire et réellement indigène du pays ; le sauvageon qui lui a donné naissance existe encore dans la forêt de Rochechouart ; elle tire son nom d’un village, Le Mas, voisin de cette forêt ».

Cette poire est « lavée et pointillée de rouge au soleil et de gris verdâtre du côté de l’ombre ».

Durant ces stages, je fais des courtes démonstrations dont je vous poste ici quelques échantillons…

Les aquarelles rassemblées et exposées pour la photo en fin de stage sont toujours un moment de satisfaction pour tous !

Les Leçons en PDF : « Prunelles et Glands » est disponible ; je vais proposer bientôt une leçon sur le thème d'une nature morte avec poires, pommes et quelques noisettes, autour de l’aquarelle que j’avais réalisée pour ce stage.

Les Stages: Les 2 week-ends à venir (Novembre et Décembre) sont presque complets, mais pour les stages de vacances d'hiver (4 jours en Mars 2011), j'ai encore beaucoup de places !